Le festival d’Avignon

Le Festival d’Avignon est un festival annuel de théâtre fondé en 1947 par Jean Vilard, à la suite d’une rencontre avec le poète René Char. Il a lieu chaque été en juillet dans la cour d’honneur du Palais des Papes , dans de multiples théâtres et lieux du centre historique d’Avignon, ainsi que dans quelques lieux à l’extérieur de la «cité des papes».
Le Festival d’Avignon est la plus importante manifestation de théâtre et de spectacle vivant en France, et l’une des plus importantes au monde par le nombre de créations et de spectateurs réunis, et l’une des grandes manifestations artistiques décentralisées les plus anciennes.
La Cour d’honneur du Palais des papes est le berceau du Festival qui investit plus de 30 lieux de la ville classée au patrimoine mondial de l’Unesco, et sa région, dans des ouvrages d’art mais aussi des gymnases, cloîtres, chapelles, jardins, carrières, églises

Le programme du Festival d’Avignon est composé d’une quarantaine de spectacles de théâtre, danse, musique, mais aussi de lectures, d’expositions, de films …

Les personnes qui sont présentes lors du festival sont des touristes, des amateurs de spectacles et des programmateurs de spectacles qui sont là pour repérer des spectacles et éventuellement les acheter.

lien officiel du festival: http://www.festival-avignon.com/fr/

Il existe aussi le festival OFF qui est le premier marché du spectacle vivant
dans notre pays. Le festival OFF d’Avignon est l’un des plus grands rassemblements de compagnies indépendantes au monde par la richesse et la diversité ,de ses offres culturelles. La différence, c’est que contrairement au festival IN, pour participer, une simple inscription suffit

source pour accréditation: http://www.avignonleoff.com/espace-pro/

 

LA MACHINERIE ET LES DÉCORS

1- Comment évolue l’éclairage au fur et à mesure des époques ?
2- Comment évolue l’éclairage au fur et à mesure des siècles ?
3-A quoi servent les décors ?

1- Au 17eme l’éclairage se fait avec des chandelles ; elles éclairent surtout la noblesse car les personnes se rendaient au théâtre pour se montrer . La haute noblesse se situe principalement dans les loges .

index

Source : http://fr.m.wikipedia.org/wiki/fichier:paris_theatre_italien_c1840.jpg

Au 19eme siècle, c’était de électricité. On utilise lors des spectacles des lampes ampoule à huile, des bec de gaz et des ampoules électrique, qui éclairent le plateau. Elles sont placées par terre sur le bord de la scène ; cela crée un jeu d’ombre qui n’est pas avantageux pour le teint des comédiens.
Aujourd’hui, la scénographie lumière est imaginée par le metteur en scène qui travaille en collaboration avec l’éclairagiste ; la lumière peut être modifiée scène après scène. Le régisseur travaille à partir d’une console informatique qui se situe au fond de la salle au dessus des spectateurs. Le plateau est éclairé par une série de projecteurs à la puissance variable. Cet éclairage permet de suivre un personnage quand il se déplace tout en l’isolant.

2-L’importance de le machinerie n’est pas essentielle. Mais elle existe cependant. Ainsi, grâce à un plan incliné sur roulettes, on peut voir surgir, comme en  »gros plan », cela captive et impressionne. La machinerie est une affaire de machinistes. Dans les dessous, il y a des soutiers ou machinistes chargés de la gestion de cette partie du plateau ; ils ouvrent la trappe sur le devant de la scène à cour et installe le «praticable».

3-Les décors servent à accessoiriser et apporter quelque chose de plus (ex: couleur,objet,…) pour accompagner et améliorer l’attention des spectateurs et aussi pour permettre aux acteurs d’accompagner leur scène avec des objets.

Éclairage à travers les âges.

1280px-Eclairage
Moyen age et temps modernes: 19-20. XIe siècle – 21.XIIe siècle – 22.XIIIe siècle – 23-24. XIVe siècle – 25-26-27.XVe siècle – 28. XVIe siècle- 29. XVIIe siècle- 30-31.XVIIIe siècle – Période contemporaine: 32. Lampe d’Argans originale.
source: https://fr.wikipedia.org/wiki/Chronologie_des_techniques_d%27%C3%A9clairage
de:Maurice Dessertenne — « Éclairage », in Nouveau Larousse Illustré, tome quatrième E-G

comédiens

        COMEDIEN:

Les caractéristiques :

Les comédiens ont pour mission d’apprendre le texte, de le faire vivre, apprendre les mots, apprendre à jouer, à incarner les personnages et interpréter les émotions.

Les qualités :

Les comédiens doivent avoir de la mémoire, de la souplesse, des techniques vocaux ; respiratoires et corporelle.

Ils doivent aussi savoir danser, chanter, jouer d’un instrument et doivent être passionnés de littérature.

Ils doivent se lever tôt pour pouvoir enchaîner les répétitions et les spectacles au soir, tout dans la joie et la bonne humeur.

Il faut aussi avoir une grande capacité de concentration, de mémorisation et la maîtrise du mouvement.

Les figurants :

90% des figurants sont des comédiens professionnels.

Pour être figurant il faut se présenter aux portes des studios et s’armer de patience.

Les formations :

Quand vous serez comédien, vous pourrez faire soit du théâtre, soit du one man show, soit de la télévision, soit du cinéma, soit des doublages de voix ou soit de la pub.

Pas besoin de diplôme pour devenir artiste, mais le passage par une école ou un conservatoire sera un plus et vous permettra, en plus d’acquérir des compétences, de commencer à tisser votre réseau professionnel, si important pour insérer pour le milieu du spectacle.

Au lycée :

– Bac L spécialité théâtre

– expression dramatique

– Bac L spécialité arts du cirque

A l’université :

                               –    Deust (= diplôme d’étude universitaire scientifiques et techniques)

  • Licence professionnelle après le bac + 2 (DUT , BTS, DEUST , L2)
  • Licence avoir le diplôme bac + 3
  • Master et master pro avoir le diplôme niveau bac + 5, le M1 et le M2 pro.

Les études théâtrales :

1er cycle : période de détermination (durée : 1 an) : à partir de 15ans.

2ème cycle : Enseignement des bases (durée : 1 à 2 ans).

3ème cycle : Approfondissement des acquis (durée 1 à 3 ans) : ouvert au moins de 30 ans. Obtention du Certificat d’études théâtrales (CET) après validation des modules qui le propose.

Alternance :

Si vous avez entre 16 et 25 ans, la plupart des diplômes peuvent se préparer en alternance via un contrat d’apprentissage ou un contrat de professionnalisation. Ces contrats permettent de suivre une formation tout en travaillant à condition d’avoir signé un contrat de travail avec un employeur.

Salaire :

Les comédiens sont le plus souvent payés au contrat ou au cachet ; très peu d’entre eux touchent un salaire fixe mensuel.

Sites pour plus de renseignements:

http://lycees.ac-rouen.fr/jeanne-d-arc/spip/IMG/pdf/DOCBACLTHE.pdf

http://conservatoirederouen.fr/Theatre?recherche2=th%E9%E2tre

http://www.tns.fr/le-projet

Les costumes au théâtre au fil du temps

A quoi servent les costumes ?

Le costume est un élément visuel très important car il est chargé de sens. Le costume sert à indiquer :

  • L’époque de la pièce
  • L’appartenance sociale du personnage
  • Son métier
  • Son âge
  • Son sexe

Il marque aussi la frontière entre le naturel et le surnaturel (fée, elfe…). Il est parfois codé on reconnaît ainsi des personnages spécifiques comme Arlequin par exemple.

Le costume sert donc à identifier le type de personnage à qui l’on a affaire.

Évolution du costume:

Antiquité:

Tous les rôles étant tenus par des hommes ;le costume servait avant tout à identifier les personnages grâce aux codes de l’époque.

Par exemple dans une tragédie, on pouvait retrouver la toge qui représentait l’homme libre, les robes avec des codes couleurs (pourpre pour le roi, blanche pour la princesse et jaune pour la courtisane). Les personnages de la tragédie étant des héros, des dieux, des rois… les acteurs mettaient donc des cothurnes qui sont des chaussures à semelles compensées surmontées de brodequins lacés pour paraître plus grand et majestueux, pour mieux représenter les personnages illustres de la pièce.

 

Dans les comédies, on trouvait des costumes beaucoup plus simples comme des tuniques qui pouvaient représenter des esclaves, des manteaux pour les voyageurs et des sandales plates.

Pour les chœurs eux portaient des coryphées (sortes de robe) et étaient maquillés et portaient des postiches.

Pour les accessoires on trouvait des perruques et des masques pour les différentes expressions du visage.

Entre l’antiquité et jusqu’à la moitié du XVIII ème siècle :

Les acteurs s’habillaient de la manière la plus somptueuse possible, héritant d’habits de cour de leur protecteur, affichant ainsi des signes de richesse.

Au XVIII ème siècle :

Pendant longtemps les représentations théâtrales étaient présentées dans des habits de cour mais on ne pouvait plus reconnaître la classe sociale du personnage.

 

Pour ce qui est des comédies et des farces, les costumes s’inspiraient des théâtres italiens et adoptèrent plus de couleurs. Cependant à partir du XVIII ème siècle, les metteurs en scène cherchent la vérité et le naturel des personnages (tenue de valet pour le valet,…).

http://www.crdp-strasbourg.fr/main2/albums/masques/index.php?img=11&parent=75

http://www.crdp-strasbourg.fr/main2/albums/masques/index.php?img=12&parent=75

Quelques troupes décident de refuser de porter les tenues de cour mais elles restent très peu nombreuses car cette nouvelle mode théâtrale ne séduit pas les spectateurs.

Aujourd’hui :

Dans le théâtre d’aujourd’hui, les costumes sont ancrés dans la réalité de la pièce. Lorsque celle-ci se déroule dans le passé, le metteur en scène peut décider de respecter l’époque et faire concevoir des costumes la respectant ou alors la faire changer de contexte en la plaçant dans le présent on parle alors d’anachronisme.

Les costumes ne sont pas pour autant extravagants ce qui permet au spectateur de mieux s’identifier aux personnages.

Metteur en scène

Metteur en scène

Caractéristique du métier :

Le metteur en scène est celui qui crée un spectacle.

Ex : Pièce de théâtre, spectacle de cirque…

Spécificités:

Un metteur en scène est un intermittent du spectacle, il doit travailler au moins 507h (environ 3 mois à 8 heures par jour) sur 10 mois et demi.

Formation :

On peut avoir de l’expérience dans des spectacles vivant, ou dans des écoles spécialisées en formation à la mise en scène.

Ex : L’ENSATT* (École nationale supérieure des arts et techniques du théâtre) de Lyon, l’ENSAD (École supérieure des arts décoratifs) de Strasbourg.

Il faut avoir un bac+2 et justifier de 2 années de formation théâtrale pour être metteur en scène.

 *L’ENSATT :

La durée de sa formation dure 3ans dont une année préparatoire, niveau terminal d’études : bac+5.

Adresse :

L’ENSATT :4 Rue Sœur Bouvier, 69005 Lyon.

L’ENSAD :1 Rue de l’Académie, 67000 Strasbourg.

Qualités requises :

Pour être metteur en scène, il faut être très rigoureux, sérieux et persévérant.

Salaire :

Le salaire varie selon l’ampleur et le succès du spectacle.

Salaire brut mensuel d’un débutant : 1430€.

Lien:

http://www.ensatt.fr/

http://www.hear.fr/presentation/introduction.php

 

Les Artistes de Cirque

               Les Artistes de Cirque

  • Introduction

Les artistes de cirque sont un ensemble de métiers que l’on exerce dans un cirque et/ou dans des spectacles de rue ou autres. Ce métier s’exerce le plus souvent avec le statut d’intermittent du spectacle.
Dans le métier d’Artiste de Cirque, il y a plusieurs métiers. Ces métiers sont par exemple trapéziste, équilibriste, jongleur, clown, dompteur, magicien…

  • Les centres d’intérêt

Les centres d’intérêt des Artistes de Cirque sont variés, il faut aimer bouger, aimer les sensations fortes, vouloir travailler à l’étranger, vouloir avoir un métier artistique, aimer s’occuper des animaux et aimer le sport.

  • Formations

Pour accéder à ce métier, il exite après le Bac des écoles comme l’ENACR qui se situe à Rosny Sous Bois.
Mais il faut d’abord faire une année préparatoire au DNSP (Diplôme national supérieur professionnel) Artiste de cirque et avoir le DNSP Artiste de cirque.
L’endroit pour pouvoir acquérir le diplôme national supérieur professionnel se situe à Rosny Sous Bois (ENACR : http://enacr.com/home-page ).

  • Compétences

Pour faire sa place, il est conseillé d’avoir plusieurs talents, de savoir aussi danser, chanter, jouer d’un instrument, jouer la comédie…

  • Salaire

Le salaire est variable selon le travail effectué et le nombre de spectateurs durant la représentation. Par représentation, l’artiste de cirque peut gagner entre 75 € et 150 € en fonction de la taille du chapiteau et la compagnie de cirque. La plupart des artistes de cirque travaillent avec plusieurs compagnies ou pratiquent une activité en parallèle afin de compléter leurs revenus.

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(http://www.crdp-strasbourg.fr/main2/albums/cirque/index.php?img=4&parent=75)

Accessoiriste

L’accessoiriste loue, répare et fabrique la plupart des objets qui sont utilisés sur scène ou sur un plateau. Il est sous la direction d’un décorateur, il doit placer les objets en prenant en compte différents éléments comme les mouvements des caméras ou les besoins de la mise en scène.

L’accessoiriste doit parfois utiliser des connaissances en menuiserie, en peinture, en électricité, et autres …

Il démonte les décors après représentation et supervise le transport des accessoires.

C’est un intermittent du spectacle.

Pour être accessoiriste il faut être habile des ses mains, créatif, rapide dans son travail, avoir de la technicité et pouvoir se déplacer lorsque c’est nécessaire.

L’accessoiriste peut travailler les week-ends, les jours fériés, en soirée ou la nuit.

La formation classique est le CAP accessoiriste réalisateur et avoir quelques bases en menuiserie, métallerie, etc. …

Le salaire brut mensuel débutant est de 1 458 euros (SMIC).